Et ce sont deux métiers très différents.
Cette année, le thème tournait autour de cette idée : Fashion is art. Très bien. Magnifique slogan. Absolument personne contre l’art. Concept validé collectivement par l’humanité depuis plusieurs siècles. Mais ce qui m’a frappée en regardant les silhouettes défiler, c’est à quel point beaucoup ont pris le thème au pied de la lettre. Comme des élèves appliqués de première année d’école de mode qui auraient entendu “art” et immédiatement pensé : peinture. sculpture. référence visible. citation. musée. validation culturelle immédiate.
Donc on a vu des gens transformés en cadres ambulants. Des robes qui criaient “comprenez-vous ma référence?” avec l’énergie désespérée d’un étudiant en philo qui place Foucault dans une conversation Tinder. Et le pire, c’est que plus le vêtement semblait vouloir prouver qu’il était artistique, moins il l’était.
Parce qu’un vêtement n’est pas une œuvre d’art parce qu’il ressemble à une œuvre d’art. Un vêtement devient une œuvre d’art au moment où quelqu’un le traverse. C’est une question de corps. De présence. De mémoire. D’attitude. Presque de biologie.
La mode est probablement l’art le plus vivant qui existe et les gens passent leur temps à essayer de la momifier. C’est fascinant. Un tableau peut survivre seul dans une pièce pendant quatre cents ans. Une robe, non. Une robe a besoin d’un corps. D’une démarche. D’une façon de se tenir. Même l’ennui de quelqu’un finit par modifier un vêtement. La fatigue aussi. Une mauvaise posture. Une main dans une poche. Une cigarette à 3h du matin. Le vêtement absorbe tout. C’est un art parasitaire. Il a besoin d’un humain pour fonctionner. Et c’est pour ça que certaines silhouettes techniquement parfaites restent complètement mortes. Parce qu’elles sont pensées uniquement pour la photographie. Pas pour être habitées.
Le Met Gala est devenu une compétition mondiale de screenshots. Les looks sont désormais conçus pour être compris en une demi-seconde sur Twitter, TikTok ou Instagram. Il faut que la référence soit visible immédiatement sinon les gens paniquent. Il faut que ça fonctionne en miniature sur un écran fissuré dans un métro.
Donc les vêtements deviennent littéraux. Et l’art littéral est souvent un peu chiant.
Ce qui m’intéresse, ce sont les vêtements qui résistent légèrement. Ceux qui demandent un deuxième regard. Ceux qui produisent une micro-confusion dans le cerveau. Une espèce de délai perceptif. Le moment où l’œil doit recalculer. C’est exactement pour ça que tout le monde qui s’est offusqué du travail de Chanel cette année m’a épuisée.
Le look de Bhavitha Mandava était précisément intéressant parce qu’il ne hurlait pas son intelligence. Sa silhouette reprenait presque exactement celle qu’elle portait lorsqu’elle a ouvert le défilé Pre-Fall 2026 de Chanel à New York, devenant ce jour-là la première mannequin indienne à inaugurer un show Chanel. Et soudain, la tenue cessait d’être juste “une tenue Chanel”. Elle devenait autobiographique.
Ce n’était plus un vêtement. C’était une archive personnelle portée sur un corps vivant. Et ça, pour moi, c’est infiniment plus proche de l’art qu’une robe qui essaye de ressembler à un tableau de musée.
Même l’illusion denim de son pantalon était brillante dans sa simplicité. Parce qu’un vêtement qui oblige quelqu’un à regarder deux fois pour comprendre ce qu’il voit remplit déjà une fonction artistique essentielle. Perturber légèrement la perception du réel.
L’art ne sert pas forcément à être beau. L’art sert parfois juste à déplacer l’œil de deux centimètres.
Et puis il y a un autre truc qui me fascine dans les réactions autour de la mode aujourd’hui. Cette obsession de la valeur monétaire comme preuve de pertinence esthétique. Les gens regardent certaines femmes extrêmement riches comme s’il existait une corrélation naturelle entre fortune et style. Alors qu’en réalité, l’argent achète exactement l’inverse du style.
L’argent achète:
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